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Aug 27, 2023

Suzanne Rose über die Dokumentation unseres blinden Flecks

Von Tom Groenfeldt, 30. August 2023 Suzanne Rose untersucht unseren Einfluss auf die Natur in der Miller-Ausstellung In ihrer Ausstellung mit großen, atemberaubenden Schwarzweißfotografien im Miller Art Museum in Sturgeon Bay

Von Tom Groenfeldt, 30. August 2023

Suzanne Rose untersucht unseren Einfluss auf die Natur in der Miller-Ausstellung

In ihrer Ausstellung mit großen, atemberaubenden Schwarzweißfotografien im Miller Art Museum in Sturgeon Bay zeigt Suzanne Rose den Einfluss des Menschen auf die Natur und gelegentlich auch das Gegenteil: Die Natur übernimmt verlassene Gebäude.

Unter dem Titel „Blind Spot: To Pass among Them“ beleuchtet die Show traurige Helden wie majestätische Bäume, denen große Bisse an den Seiten oder in der Mitte entnommen wurden, um Platz für elektrische Leitungen zu machen. In einem weiteren eindrucksvollen Bild machen hohe Stahltürme mit Hochspannungsleitungen auf ihrem Weg durch den Wald eine 90-Grad-Kurve.

„Das Projekt begann als thematischer Ansatz, um das ‚Unsichtbare und Übersehene‘ zu fotografieren – die blinden Flecken in der Landschaft, die entweder absichtlich oder unbewusst vermieden werden, indem man den Blick abwendet“, schrieb Rose. „Ich hatte schon sehr früh beschlossen, dass Landnutzung und -missbrauch das Thema sein sollten. Ich sah eine ungewöhnliche Schönheit im Schaden, die ich fotografisch erkunden wollte.“

In der hinteren Galerie des Museums zeigt sie, wie die Natur sich wehrt: drei Fotografien von verlassenen Gebäuden, die von Bäumen überwuchert werden, die sich an ihre Wände drängen.

Das Museum of Wisconsin Art in West Bend zeigte dieses Werk von Ende 2021 bis 2022 und kaufte ein Portfolio mit 30 Drucken von Rose. Nun schickt man die Sammlung auf Tournee und die erste Station ist das Miller Art Museum, das die Werke bis zum 9. September zeigt.

Rose verwendet die neuesten digitalen Werkzeuge, um die Qualität von Westküstenfotografen aus der Mitte des 19. Jahrhunderts wie Carleton E. Watkins nachzubilden, die eine Kamera mit 18 x 24 Zoll großen Glasplatten verwendeten. Sie fotografiert mit einem 43-Megapixel-Sony, dem größten digitalen Sensor, der in einer 35-mm-Kamera erhältlich ist.

Rose hat den Übergang vom Film zum Digitalen mit mehreren Mentoren studiert, darunter Daniel Anderson in Ellison Bay, und sie nutzt Adobe Photoshop ausgiebig: eine Software zur Bearbeitung und Gestaltung von Fotos.

„Wenn Sie Photoshop nicht verwenden, sind Sie in Ihrer modernen Arbeit nicht künstlerisch engagiert“, sagte sie. „Ich bin fest davon überzeugt, dass Photoshop eine Notwendigkeit ist.“

Rose verfügt über einen standardisierten Arbeitsablauf für die Ästhetik dieser gesamten Serie.

„Ich bemühe mich, Drucke anzufertigen; Ich bin eine Fotografin, die druckt“, sagte sie. „Ich möchte wirklich ein konsistentes Werk schaffen, das eine einheitliche Stimmung und Ästhetik hat, und das geschieht nach einem sehr festen Rezept, das mich zum letzten Punkt bringt. Es ist sehr kompliziert. Die Fotografie hat sich über die Dunkelkammer hinaus entwickelt und wir haben uns zu einem Zeitalter entwickelt, in dem wir eine skalpellartige Kontrolle haben, und das ist es, was ich suche.“

Roses grundlegende Sorge gilt der Epoche des Anthropozäns, die allgemein als eine Zeit angesehen wird, die mit der industriellen Revolution im späten 18. und frühen 19. Jahrhundert begann – einer Zeit, in der menschliche Aktivitäten begannen, das Klima und die Umwelt zu beeinflussen, und die Produktion oft von Handwerkern auf Maschinen und Fabriken verlagerte mit Kohle betrieben. Die Fotografie erschien ungefähr zur gleichen Zeit und fand in den 1850er und 1860er Jahren eine weit verbreitete kommerzielle Nutzung.

Zu den Lieblingsmotiven der damaligen Fotografen gehörten neben Porträts auch Aufnahmen der Wildnis und der Pionierindustrie. Sie machten Bilder für die wachsende Tourismusbranche und auch für die Besitzer von Bergwerken und Sägewerken. Manchmal überschnitten sich die beiden, beispielsweise bei Aufträgen der Eisenbahnen, Schienen und Züge sowie die Landschaft, durch die sie fuhren, zu fotografieren, um Reisende anzulocken.

Ein großer Teil von Roses Arbeiten dreht sich um die unbeabsichtigten Folgen von Entwicklung, Nachlässigkeit oder einfach mangelnder Rücksichtnahme auf die Auswirkungen auf die Natur. Obwohl ihre Bilder die Rohheit der Zerstörung einfangen, sind die Fotografien selbst exquisit.

Sie möchte sowohl beim Foto als auch bei der Präsentation die Qualität erreichen, die diese frühen Fotografen erzielten, und fertigt daher 40 Zoll breite Drucke an, die in achtlagigen Passepartouts gerahmt sind und das bieten, was sie als Museumsqualität der Alten Welt bezeichnet.

„Ich habe mich intensiv mit der ersten Fotografie beschäftigt, und die erste Fotografie hatte eine spezifische Präsentationsästhetik“, sagte Rose.

Anstatt die Abzüge nur in rechteckigen Passepartouts gerahmt zu zeigen, nutzten frühe Fotografen gewölbte Passepartouts, um den Himmel zuzuschneiden, der aufgrund der Verwendung großformatiger Kameras und der Belichtung für Schatten dazu neigte, ausgeblasen zu werden, sagte sie. Rose verwendet auch ovale Formen und manchmal Kreise in den dicken, achtlagigen Matten, aber sie brauchte mehrere Versuche, jemanden zu finden, der diese schwierigen Formen sauber schneiden konnte.

Mehrere Museumsbesucher kommentierten die Sepia-Tönung, aber es handelt sich tatsächlich um ihre eigene Formel, die auf digitalen Mustern von Fotografenabzügen aus dem 19. Jahrhundert basiert, die ihr von Getty geschickt wurden.

„Dann habe ich eine Ladung meines eigenen Toners zubereitet“, sagte Rose. „Ich habe mich hauptsächlich mit der Arbeit von Carleton E. Watkins, Timothy H. O'Sullivan, William Bell, William Henry Jackson und Gustave Le Gray beschäftigt. Die letzte Tönung, die ich auf meine Bilder angewendet habe, ist ein hybrider Einfluss davon.“

Die Tönung erfolgt vollständig digital, aber um ihre Arbeit mit der Originalqualität zu vergleichen, die sie wiederherstellen wollte, vereinbarte sie einen Termin zur Besichtigung einiger Drucke aus dem 19. Jahrhundert in Chicago in der Fotosammlung des Art Institute. Sie erhielt die Erlaubnis, ihre eigenen Drucke mitzunehmen und sie neben die Vintage-Drucke zu stellen. Rose bat 17 Fotografen um Arbeiten, darunter Sally Mann, eine zeitgenössische Amerikanerin, die eine Deep South-Serie gemacht hat; und Josef Sudek, ein tschechischer Fotograf.

Frühe Minen und Fabriken auf Fotografien aus dem 19. Jahrhundert konnten sich in freier Wildbahn kaum behaupten, wo die Entwicklung auf kleinen Lichtungen inmitten riesiger Wälder stattfindet. Eineinhalb Jahrhunderte später hat die maschinelle Industrialisierung die Natur überwältigt, und Rose fragt sich, was notwendig ist, was zu viel ist und was vielleicht erhalten bleiben sollte.

In ihrer Künstlererklärung schrieb sie: „Einst lebenswichtig und heilig – Hügel, Stapel und Stapel repräsentierten Arbeitsmoral, Lebensunterhalt und Ehre.“ Mittlerweile sind die übergroßen und weitreichenden Hügel zu einem destillierten Symbol der anhaltenden Zersiedelung, Massenernte und Verschwendung geworden. Sie sind ein Beweis für die Auswirkungen des derzeitigen Konsums und der nicht nachhaltigen Verschwendung.“

Sie brauchte etwa ein Jahr Drehzeit, um einen Fokus auszuwählen.

„Über einen Zeitraum von einem Jahr hinweg“, schrieb Rose, „habe ich die manipulierte Landschaft – neue Straßen, Zersiedelung und die Entfernung von Waldgebieten für Wohnhäuser – und die dafür verantwortlichen Industrien wie Sägewerke, Zementfabriken, große Landwirtschafts- und Entsorgungsstandorte fotografiert.“ . Aber da ich reiste und eine große Auswahl an Fotos sammelte, bot das Projekt ästhetisch nicht die Intimität, die ich suchte.“

Dann konzentrierte sich Rose auf die Auswirkungen, die der Mensch auf die Natur hatte. Es war eine kluge Entscheidung, denn die Agrarindustrie oder die Agrarindustrie hätte politisch werden können, und Hirschstände allein wären vielleicht etwas wertvoll gewesen. Außerdem habe das städtische Publikum, wie sie während ihres Vortrags im Miller Art Museum sagte, oft keine Ahnung, was ein Hirschstand ist.

„Es zeigte sich, dass die Bilder optisch zu dünn gestreut waren. Ich brauchte Dichte, um die Bedeutung des Themas zu vermitteln“, sagte Rose in einer Künstlererklärung. „Es war dieses zentrale Konzept, das mich dazu veranlasste, mein Thema von einer riesigen Sammlung tatsächlicher Orte zu einer ordentlichen Sammlung symbolischer Identifikatoren zu verdichten: Bäume, Hirschbestände, Hügel und überwucherte landwirtschaftliche Gebäude.“

Rose entschied sich dafür, in ruhigen, kraftvollen Bildern die Auswirkungen der Entwicklung auf die Natur zu zeigen – aber das war erst der Anfang. Sie sagte, sie sei auch auf der persönlichen Suche, ihren eigenen Einfluss auf die Erde zu verstehen und zu minimieren, was ein schwieriges Gleichgewicht sei. Obwohl sie beispielsweise mehrere Bilder von Kieshaufen hat, ist sie nicht gegen Kies.

„Da ich in Door County lebe, bin ich ständig mit dem Auto unterwegs“, sagte Rose, deshalb schätzt sie gute Straßen und die Salzstreuer, die sie im Winter nutzbar machen. „Ich möchte nur meinen Platz in der Kette der Ereignisse verstehen. Ich möchte das Gleichgewicht finden, weil ich weiterhin konsumieren werde. Ich muss essen. Ich muss warm bleiben. Ich muss cool bleiben. Und ich lebe in einer Gegend, in der ich genauso hart spielen wie arbeiten möchte.“

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