Aug 11, 2023
Daniel Goldhaber und Ariela Barer über „Wie man eine Pipeline in die Luft jagt“
Goldhaber und Barer diskutieren über ihre Hoffnungen, wie das Publikum auf die Radikalität des Films reagieren wird. Bleiben Sie, bis der Abspann bei How to Blow Up a Pipeline läuft, und Sie werden feststellen, dass der Abspann „Film von“ lautet
Goldhaber und Barer diskutieren über ihre Hoffnungen, wie das Publikum auf die Radikalität des Films reagieren wird.
Bleiben Sie, bis der Abspann für „How to Blow Up a Pipeline“ läuft, und Sie werden feststellen, dass der „Film von“ mehr als nur den Namen des Co-Autors und Regisseurs Daniel Goldhaber enthält. Hier teilen sich auch der Herausgeber Daniel Garber, der ausführende Produzent und Co-Autor Jordan Sjol sowie die Produzentin, Co-Autorin und Schauspielerin Ariela Barer die Ehre. Diese gemeinsame Zuschreibung der Urheberschaft passt zu einem Film über die Zusammenarbeit und Teamarbeit, die erforderlich ist, um ein gemeinsames Ergebnis zu erzielen.
Die Adaption des gleichnamigen politischen Manifests von Andreas Malm durch die Gruppe beweist zweifellos, dass Werbung wahr ist. „How to Blow Up a Pipeline“ schafft eine Welt, in der Linke die Ideen des Textes umsetzen und den nächsten Schritt im Umweltaktivismus gehen, indem sie die Infrastruktur ins Visier nehmen, die hinter der Zerstörung des Planeten steht. Die Handlung des Films, bei der es um den Abriss einer Pipeline im texanischen Perm-Becken geht, bewegt sich mit der Effizienz und Wirtschaftlichkeit eines Raubüberfallfilms im Stil von Ocean's Eleven, reduziert ihre Suche jedoch nie auf die bloße Ausführung einer Aufgabe.
Durch die Fokussierung auf den Charakter, sowohl in der Pipeline-Mission selbst als auch in Rückblenden, die die Bildung der Gruppe enthüllen, fügt der Film Dimension und Drama hinzu, die die Vielfalt verdeutlichen, die für das Funktionieren der versammelten Koalition erforderlich ist. Barers Xochitl mag ihre ideologisch strengste Hardlinerin sein, dennoch ist sie kaum repräsentativ für die gesamte Crew. Das Team geht über Rassen-, Klassen- und sogar politische Grenzen hinweg. Wenn es sich auf der Leinwand wie eine fantasievolle Vorstellung anfühlt, dann deshalb, weil „How to Blow Up a Pipeline“ sein Publikum dazu herausfordert, die Möglichkeiten dessen, was außerhalb der Leinwand erreichbar sein könnte, zu überdenken.
Ich habe vor der Kinopremiere des Films mit Goldhaber und Barer per Zoom über die Ursprünge der Adaption von Malms Manifest, die Herausforderungen beim Drehen eines politischen Films und ihre Hoffnungen darüber gesprochen, wie das Publikum auf seine Radikalität reagieren wird.
Wie hat Ihre Zusammenarbeit funktioniert und wann haben Sie beschlossen, Ariela offiziell unter den Personen im „Film von“ im Titel zu nennen?
Daniel Goldhaber: Es war von Anfang an eine Art Zusammenarbeit zwischen uns allen. Jordan [Sjol] hat das Buch gefunden und wir haben gemeinsam das Drehbuch geschrieben. Wir waren immer irgendwie im Gespräch mit Daniel [Garber], ich arbeite seit 15 Jahren mit ihm zusammen. Es gibt kein Projekt, über das ich nicht bereits in der Konzeptionsphase mit ihm gesprochen habe, und dieses war nicht anders. Über den „Film von“-Kredit entscheiden wir erst, wenn der Film fertig ist. Es geht wirklich darum, gemeinsam zu fragen: „Woher kommt unserer Meinung nach die Vision dieses Films?“ Und wer teilt es unserer Meinung nach?“ Das ist ein Gespräch, das nicht nur zwischen uns vieren stattfindet; es passiert auch mit den Produzenten und einigen anderen Kollaborateuren. Es war also ein Teil davon, aber es ist eine organischere und flüssigere Zusammenarbeit im gesamten Team.
War es überhaupt vergleichbar mit der Zusammenarbeit mit Isa Mazzei bei Cam, als sie auch den „Film von“-Credit teilte? Hat diese Zusammenarbeit dieses hier beeinflusst?
DG: Ja, 100 % zumindest für mich. Ich glaube, das gilt weniger für Ariela, die nicht Teil von Cam war.
Ariela Barer: Ich würde nicht sagen, dass es nicht [mich informiert] hat. Als Regisseur hätte man einfach alles nehmen können. Durch die Zusammenarbeit mit Isa in Cam konnten Sie eine Menge Erfahrungen weitergeben, und es war wirklich schön, daraus zu lernen.
DG: Ja, ich war ein bisschen süß …
AB: Tu das nicht!
DG: …aber ich hatte Ariela tatsächlich für die Hauptrolle eines Films gecastet, den wir kurz vor der Pandemie machen wollten, und dann verschwand dieser Film. Und das war ein Film, den ich mit Isa gemacht habe, also hatten wir bereits zu Beginn einen Gesprächsprozess begonnen. Ariela war mit meiner Arbeitsweise sehr vertraut, und das ist etwas, das sich im Laufe der Pandemie weiterentwickelt hat. Keine großen Überraschungen.
Soweit ich weiß, war es Ariela, die dabei half, die ursprüngliche Idee, daraus einen Propagandafilm zu machen, zunichte zu machen. Wie hat es sich dann zu der dramatischen Form entwickelt, in der wir es sehen?
AB: Es lag lediglich daran, dass ich das Buch gelesen habe und Danny in dem Zustand war, ein Stück Propaganda machen zu wollen …
DG: [lacht] Ich war einfach in einem Zustand, Punkt.
AB: Das war für mich sehr beängstigend, nicht nur wegen der Konsequenzen, die es mit sich bringt, wenn man als Filmemacher auftritt. Aber so etwas hat auch echte Konsequenzen. Ich engagiere mich sehr für die Diskussion über die Zerstörung von Eigentum und dränge die Linke, über diese Art von Widerstand nachzudenken, verstehe aber auch, dass wir nicht in einer perfekten Welt leben, in der dies eine völlig harmlose Tat wäre. Es begann also damit, dass ich Danny in alltäglichen Gesprächen zurückdrängte, und das wurde langsam zum dramatischen Aufhänger des Films. Diese Gespräche, die wir führten, fanden wir viel interessanter als ein Stück Propaganda.
DG: Außerdem kam heraus, dass, wenn man dieses Manifest in ein Drama umwandelt und eine menschliche Dimension hinzufügt, es zu einem außerordentlich langweiligen Film für diese menschliche Dimension werden würde, wenn es keine Konflikte über diese Ideen geben würde. Eines der überzeugenden Argumente, die Ariela vorbrachte, war, dass dies ein Film wird, wenn es zu einem Drama zwischen den Charakteren wird. Das geht nicht, wenn alle von Anfang an einer Meinung sind.
Hatten Sie alle das Bedürfnis, das Ethos des Aktivismus in der Art und Weise, wie Sie den Film gemacht haben, widerzuspiegeln oder zu modellieren?
AB: Ganz einfach: Als wir uns die Charaktere ausgedacht haben, wussten wir von Anfang an, dass wir selbst und unsere Freunde dabei sein wollten. Aber da war das Gespräch zwischen Danny, Jordan und mir, es sind mehrheitlich weiße Männer … ist das eine Geschichte über Weißheit und Anspruch innerhalb einer Bewegung? Und wir haben einfach entschieden, dass die Antwort Nein war. Ich war zunehmend frustriert darüber, wie oft ich aufgrund der Art und Weise, wie Chancen in der Branche vergeben werden, aus solchen Gesprächen ausgeschlossen wurde. Wir haben erkannt, dass der interessanteste Weg, diesen Film zu machen, darin besteht, die Dynamik in unserem Leben und unserer tatsächlichen Freundesgruppe tatsächlich genau widerzuspiegeln und die Leute, die an diesem Film arbeiten und ihre Geschichten zur Verfügung stellen, angemessen zu würdigen und zu entlohnen. Durch die Erweiterung unseres Spielraums und unserer Perspektive hat es meiner Meinung nach den Film noch besser gemacht. Und wir haben mit unseren Freunden und Aktivisten zusammengearbeitet, die wir wirklich bewundern, und wir konnten sie tatsächlich maßgeblich in den Entstehungsprozess dieses Films einbeziehen.
Wir lernen die Aktivisten im Film zunächst durch den Prozess und die Arbeit kennen und erhalten dann eine eher standardisierte Darstellung und Charakterentwicklung. Wie seid ihr alle zu dieser Struktur gekommen?
DG: Als wir mit dem Prozess begannen, war das Raubüberfall-Element des Films das erste, was wir entwickelten. Wir dachten immer, dass es nur eine einzige große Rückblende geben würde, aber als wir schrieben, bedeutete das, dass wir all diese Ideen, Dinge und Charakterhintergründe in das Überfallmaterial einfließen ließen. Sehr schnell wurde klar, dass das nicht glaubwürdig war. Das sind alles Gespräche, die schon Monate früher stattgefunden hätten! Wir erkannten die Notwendigkeit, mehr in die Vergangenheit zu reisen, aber es stellte sich die Frage, wie wir das schaffen können, ohne mitten im Film einen riesigen Rückblick zu haben, der den Schwung zerstört. Und dann kamen wir auf die Idee, es nach Charakteren aufzuteilen und dieses Riff im Stil von Reservoir Dogs einzubauen, das es uns ermöglichen würde, viel mehr Bereiche abzudecken. Aber dann wurde es auch zu einem Aufhänger, um die Spannung und Dramatik bestimmter Momente zu steigern.
Ich bin so beeindruckt von der Art und Weise, wie soziale Medien sowohl in die Handlung als auch in die Ästhetik integriert sind. Performative Identität war ein zentrales Thema, das Sie in Cam untersucht haben. Hat sich irgendetwas von dieser Idee auf diesen Film übertragen und wie sehen wir bei den Charakteren ein bisschen Front- und Backstage-Bereich?
DG: Der Social-Media-Aspekt war ein bisschen mehr eine Offenheit darüber, wie man heutzutage seine Botschaft kommunizieren muss, aber auch, wie wir miteinander in Kontakt treten und wie wir Dinge finden, die außerhalb von uns liegen unser eigener expliziter Lebenserfahrungsbereich. Aufgrund des performativen Charakters hatten wir offensichtlich Verständnis dafür, dass der Film mit einem TikTok endet. Es gab ein Bewusstsein, das eine komplizierte Sache ist, aber wir hoffen, dass der Film sich dessen bewusst ist. Ja, die Botschaft dieses Films wird über ein TikTok verbreitet, aber wir haben auch einen Film darüber gemacht. Ich denke, dass es im Prozess selbst eine enorme Menge an Selbstreflexion gab, die wir meiner Meinung nach versucht haben, materiell in die Geschichte und in das Bild zu integrieren.
Einer der Momente, die mich im Film am meisten beeindruckt haben, war, dass Xochitl sich dafür entschuldigen musste, dass er Alisha (Jayme Lawson) gegenüber „hart“ war, nachdem er sie beschimpft hatte, nachdem sie Kritik erhalten hatte. Ich habe diesen Moment durch die Linse von jemandem gelesen, der eine sehr schrille, hartnäckige Online-Aktivistenart spricht und sich damit auseinandersetzen muss, wie ihre Worte einen echten Menschen vor ihr verletzen können.
AB: Ich liebe dieses Essen zum Mitnehmen. Persönlich finde ich, dass Xochitl viel zu online ist! [lacht]
DG: Ich möchte auch sagen, dass Ariela ursprünglich nicht unbedingt in dem Film mitspielen sollte, das war eine offene Frage. Und ich musste sie ein wenig mit ihren Tritten und Schreien hineinziehen. Denn aus meiner Sicht wollte ich von Anfang an mit ihr als Schauspielerin zusammenarbeiten. Man arbeitet nicht mit jemandem zusammen, der so talentiert ist wie sie, schreibt und produziert einen Film und besetzt sie dann nicht für den Film. Aber das war uns sehr bewusst, wir wollten sozusagen diesen Charakter haben, der das Ding zusammenstellt. [Sie wäre] ein Spiegelbild des Filmemacherteams, aber auch der komplizierten Natur des Egos, das beide in den Aktivismus einfließen … und auch die Art von Ego, die in die Überlegung einfließt, dass man einen Film über Aktivismus machen kann. Nichts davon ist eindeutig oder unkompliziert. Letztendlich war es etwas, von dem ich weiß, dass Ariela sich darauf einlassen wollte. Und um näher auf die Natur dieser Alisha-Xochitl-Schlusssequenz einzugehen: Sie spielte in dieser Debatte auf eine Art und Weise gegen sich selbst, die ich für sehr reichhaltig halte.
Sind Sie darauf vorbereitet, dass der Film zum Stoff für Menschen mit einer anderen politischen Agenda wird? Viele der böswilligen Argumente werden im Film konfrontiert, falls sich jemand darauf einlassen möchte, aber der Film entwickelt nach der Veröffentlichung ein Eigenleben.
AB: Damit mussten wir uns im Prozess abfinden. Es war etwas, wovor ich viel mehr Angst hatte, als wir es taten. Und wie Sie im Drehbuch bereits angedeutet haben, erwarten wir einiges davon. Aber man muss das auch an einem bestimmten Punkt veröffentlichen und hoffen, dass sich die Leute engagieren. Ich hoffe, dass Leute, die denken, dass dieser Film nichts für sie ist, in vielerlei Hinsicht feststellen, dass er es ist. Dieses Ensemble wurde aufgebaut, um zu versuchen, möglichst viele Perspektiven willkommen zu heißen, anstatt Menschen zu entfremden, die vielleicht nur die Sprache hören und sagen: „Ich hasse das.“ Jetzt bin ich sauer." Ich hoffe, dass wir ein gewisses Maß an Arbeit geleistet haben, um tatsächlich mehr Menschen zu dem Gespräch einzuladen und ihnen das Gefühl zu geben, gehört und legitimiert zu sein.
Jordan Sjol hatte erwähnt, dass er auf eine Bibliographie im Abspann drängte. Dies ist kein Dokumentarfilm mit einem Aufruf zum Handeln, um mehr zu erfahren, aber wo sonst hätten Sie die Leute in die Theorie hinter diesem Film einführen können?
DG: Um es klar auszudrücken, ein Teil von Jordans Witz bestand darin, alle Ressourcen für den Bombenbau aufzulisten, die in die Entstehung des Films eingeflossen sind. Letztendlich hatten wir jedoch das Gefühl, dass die Bibliographie des Films am wichtigsten ist, das Buch, auf dem der Film basiert. Wir hoffen, dass dies ein guter Anfang ist, wenn die Leute Lust haben, sich weiterhin dafür zu engagieren. Es ist auch ein Buch, das viele andere Ausflugsziele vorschlägt. Etwas, wovon wir wirklich überzeugt sind, ist, dass es bei Filmen über diese Art von Material einen kulturellen Trend gegeben hat, bei dem es so etwas wie einen One-Stop-Shop gibt, einen einheitlichen Ansatz, bei dem man sich den Film anschaut und das macht , und jetzt bist du gut. Ich denke, dass das für ein Kunstwerk sehr reduktiv wirken kann. Wir hoffen, dass dieser Film etwas ist, zu dem die Menschen, wie Ariela sagte, von überall her kommen können. Es kann sie auf jede Art und Weise bewegen, in der sie bewegt werden. Wir hoffen, dass wir einen interessanten, spannenden und provokanten Film gedreht haben. Wie auch immer es die Menschen und die Kultur verändert, im Großen und Ganzen wird es zumindest interessant sein.
Als jemand aus Texas – wenn auch aus Houston, weit entfernt vom Perm-Becken – muss ich fragen, welche Art von Farbkommentar Ihr „Texas-Berater“ dem Film hinzugefügt hat.
AB: Unser Texas-Berater war im Film!
Richtig, ich hätte nicht gedacht, dass Sie McKinsey beauftragt haben, Ihnen Texas-Ratschläge zu geben!
AB: Nein, es war Olive [Jane Lorraine], eine wirklich gute und talentierte Freundin von mir. Wir wussten von Anfang an, dass wir „Katie“ für sie schreiben würden, und Olive und ich hatten gerade jahrelang über ihre Erfahrungen gesprochen, als sie in Texas, ihrer Heimatstadt, aufwuchsen und von der Ölindustrie betroffen waren, während ihre Familie gleichzeitig für den Lebensunterhalt davon abhängig war . Es ist einfach eine so endlose, reichhaltige Geschichte, die Olive erzählen musste. Ich bin dankbar für ihre Beiträge und ihre Beteiligung am Film.
Marshall Shaffer ist ein in New York ansässiger Filmjournalist. Seine Interviews, Rezensionen und anderen Filmkommentare erscheinen auch regelmäßig in Slashfilm, Decider und Little White Lies.
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Wie hat Ihre Zusammenarbeit funktioniert und wann haben Sie beschlossen, Ariela offiziell unter den Personen im „Film von“ im Titel zu nennen? War es überhaupt vergleichbar mit der Zusammenarbeit mit Isa Mazzei bei Cam, als sie auch den „Film von“-Credit teilte? Hat diese Zusammenarbeit dieses hier beeinflusst? Soweit ich weiß, war es Ariela, die dabei half, die ursprüngliche Idee, daraus einen Propagandafilm zu machen, zunichte zu machen. Wie hat es sich dann zu der dramatischen Form entwickelt, in der wir es sehen?Hatten Sie alle das Bedürfnis, das Ethos des Aktivismus in der Art und Weise, wie Sie den Film gemacht haben, widerzuspiegeln oder zu modellieren? Wir lernen die Aktivisten im Film zunächst durch den Prozess und die Arbeit kennen und erhalten dann eine eher standardisierte Darstellung und Charakterentwicklung. Wie seid ihr alle zu dieser Struktur gekommen? Ich bin so beeindruckt von der Art und Weise, wie soziale Medien sowohl in die Handlung als auch in die Ästhetik integriert sind. Performative Identität war ein zentrales Thema, das Sie in Cam untersucht haben. Hat sich irgendetwas von dieser Idee auf diesen Film übertragen und wie sehen wir bei den Charakteren ein bisschen Front- und Backstage-Bereich? Einer der Momente, die mich im Film am meisten beeindruckt haben, war, dass Xochitl sich dafür entschuldigen musste, dass er Alisha (Jayme Lawson) gegenüber „hart“ war, nachdem er sie beschimpft hatte, nachdem sie Kritik erhalten hatte. Ich habe diesen Moment durch die Linse von jemandem gelesen, der eine sehr schrille, hartnäckige Online-Aktivistenart spricht und sich damit auseinandersetzen muss, wie ihre Worte einen echten Menschen vor ihr verletzen können. Sind Sie darauf vorbereitet, dass der Film zum Stoff für Menschen mit einer anderen politischen Agenda wird? Viele der böswilligen Argumente werden im Film konfrontiert, falls sich jemand darauf einlassen möchte, aber der Film entwickelt nach der Veröffentlichung ein Eigenleben. Jordan Sjol hatte erwähnt, dass er auf eine Bibliographie im Abspann drängte. Dies ist kein Dokumentarfilm mit einem Aufruf zum Handeln, um mehr zu erfahren, aber wo sonst hätten Sie die Leute in die Theorie hinter diesem Film einführen können?Als jemand aus Texas – wenn auch aus Houston, weit entfernt vom Perm-Becken – muss ich fragen, welche Art von Farbkommentar Ihr „Texas-Berater“ dem Film hinzugefügt hat.Richtig, ich hätte nicht gedacht, dass Sie McKinsey beauftragt haben, Ihnen Texas-Ratschläge zu geben!Wenn Sie können, denken Sie bitte darüber nach, das Slant Magazine zu unterstützen.